El Pórtico de Gloria

 

 

Gracias a mi amiga Marian E. quien me ha cedido estas imágenes una vez restauradas.

El Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela es un pórtico de estilo románico realizado por el maestro Mateo y sus colaboradores (su obradoiro o taller) por encargo del rey de León Fernando II, quien donó a tal efecto cien maravedíes anuales,1​ entre 1168 y 1188, última fecha que consta inscrita en la piedra como indicativa de su finalización.

Después de comenzar los trabajos del Pórtico, su taller terminó las naves de la Catedral teniendo para ello que construir una novedosa cripta para salvar el desnivel entre las naves y el terreno de alrededor.

El 1 de abril de 1188 se colocaron los dinteles del Pórtico y la conclusión del conjunto se demoró hasta el año 1211, en el que se consagró el templo con la presencia del rey Alfonso IX.

Ver más información en: https://www.nationalgeographic.com.es/historia/grandes-reportajes/la-catedral-de-santiago_7200/2

Colores

Alberto Corazón escribe sobre la Pintura de Vicente Verdú

(Extracto)

Ver el documento publicado por la Revista El País “Todos los colores de Vicente Verdú“.


 

AZUL – Todo el espacio es azul, el cielo, el mar, el planeta es azul

El azul tiende gradualmente a la disolución del color, nunca llega a perderse, pero puede rozar la línea de lo muy distante, la magnífica pureza de la lontananza.

El azul escapa a nuestras manos para llegar rápidamente a la línea del horizonte. El Azul está ligado a la llegada a la inconsciencia…

BLANCO – El lugar de la pureza. La otra cara de la muerte.

El blanco perfecto puede ser la perfecta imagen de una perfecta crueldad. El blanco se inclina a matar cuando toca… El fin del mundo no será un paisaje de tinieblas sino de un tremendo claror.

De blanco se pinta el pánico, la ausencia total del valor.

NEGRO – Nada se concibe con la ausencia del negro. El negro viene a ser como el asiento fundamental del ser cromático. Sin negro no hay vida.

El blanco mata, el negro procura inmortalidad.

La apropiada ración de uno y otro humaniza.

VERDE – Tiziano soportaba mal el universo de color verde. Cuando representaba los bosques, las forestas lo hacía envolviéndolos en llamas,
representándolos así con los colores negros, rojos…

El verde se desliza, viaja, se pervierte o glorifica, puede decir prácticamente todo.

AMARILLO – Representa al pigmento más altivo y rebelde. El más nervioso e ilegítimo. Muy duro dentro de la comunicación cromática, en donde siempre aparece como una personalidad desobediente, difícil de dominar y de amortiguar su chirrido. Su parecido al oro adultera su esencia. El oro es redondo y señorón mientras el amarillo es vertical y agrede.

Hacia arriba todo es azul o negro, hacia el centro de la Tierra todo es negro o rojo. Lo amarillo sería el equivalente a un precipicio terrenal cuyo vértigo lleva a los despeñamientos del cuerpo.


 

Un extraordinario artista menor

ANDRÉS TRAPIELLO escribe sobre “UN PINTOR de provincias”;
del pintor italiano Giorgio Morandi nacido en Bolonia (1890-1964),
considerado uno de los mejores del siglo XX en su país.

 

“GIORGIO MORANDI pintó, a lo largo de su vida, (según Andrés Trappiello), tres cuadros: un bodegón, un paisaje y un jarrón con flores.

Hoy recupero algunas de sus frases sobre el trabajo del artista en lo que se refiere a sus bodegones.

El bodegón para el que Morandi ha allegado tazones, jarras, loza con cenefas azules, conchas de pliegues luminosos, con el Tirreno dentro, resulta siempre misterioso, recoleto, dejado allí no por su mano, sino por el oleaje de la vida. Están y no están en él las cosas. Parece como en esas mesas, después de la comida, aún por recoger, en su desorden natural, que nada de cuanto contiene va a durar mucho tiempo, como si alguien, de pronto, lo desmontara todo y dejara la mesa limpia, contra la severa pared del fondo. Los cacharros en él parecen accidentales y todo nos advierte del paso del tiempo, como esa servilleta de lino blanco al lado, no doblada, que el huésped, al levantarse, ha dejado así plegada de esa forma, para luego volver o no volver ya más. En el fondo de sus tazas, que no podemos ver, sabemos que queda un poco de caldo, dorado y frío. En las botellas, de cuello largo, de panza ancha, puede verse aún algo de chianti áspero del color del coral, pero ya oscuro, como si la luz de la tarde pasara a su través y le dejara triste. En ese bodegón todo es usado, todo tiene la forma de lo común y diario.

Aunque Morandi tiene algunos cuadros, de los primeros que hizo, muy bien ordenados formalmente, al modo de los barrocos, de Chardin, de Zurbarán, es decir, de los maestros del género, poco a poco se fue amanerando, y terminó ingeniando diseño italiano, como si más que pintura, estuviera haciendo propaganda de la loza, de la vajilla.

Para los bodegones entonaba antes, pintándolos con óleo, los cacharros que iban a formar la naturaleza muerta. Pintaba el vidrio conforme a la tonalidad general del cuadro, según le convenía. Luego, cuando terminaba ese cuadro, volvía a pintar la botella de otro color, para el siguiente lienzo, y así con toda la batería.

Morandi pintó variaciones sobre el mismo tema aunque entonó siempre bien sus obras,
Fue un extraordinario artista menor.”

En otro momento hablaremos de los paisajes y de las flores.

Trapiello, de la obra de este artista, dice que “son los Aguafuertes los que mejor le representan, lo mejor de él. Solo en los Aguafuertes dice haber encontrado Trappiello emoción y verdad.”

Imágenes tomadas de internet de algunas de sus Naturalezas Muertas “Naturas mortas”

Morandi en papel Naturaleza_muerta-1930-11

Morandi 7319

Morandi_013a_NM

Morandi af45830ff9eace7b2cbe62972286b330

Morandi bottura-bologna-arte-gastronomia-1900x700_c

Recomiendo visitar el enlace siguiente: https://elviajero.elpais.com/elviajero/2014/11/27/actualidad/1417092115_703573.html


 

Ópera de Oslo

DSC_0127 copia 1024

Ópera de Oslo (Operahuset), levantada frente al fiordo de Oslo, la capital de Noruega es el centro de artes escénicas más importante de ese país.

Se inauguró en 2008 y fue diseñada por el estudio de arquitectura noruego Snøhetta, autor de otros proyectos como la embajada noruega en Berlín y la Bibliotheca Alexandrina en AlejandríaEgipto. Wikipedia


 

Oteiza o el Pensamiento

OTEIZA o el Pensamiento

Oteiza o el Lenguaje

Oteiza o la Escultura

Oteiza el Poeta

IMG_2303

 

Ayer estuve en Alzuza y me acordé de tí, amigo Vicente.

Mientras recorría su amplio espacio interior bordado con el hierro y la cal de su obra, escuchaba una voz interior parecida a la tuya con un lenguaje universal, como el tuyo, empeñado en la búsqueda  de mitos y símbolos, entre las pinturas prehistóricas, para encontrar el origen de nuestra lengua.

Alzuza es un pequeño pueblo encaramado a un alto muy próximo a Elizondo en el valle  de Egües (Navarra). Allí se encuentra el museo de Oteiza y allí están sus restos y los de la que fué su mujer, enterrados en un rincón. Quedan dos sencillas cruces de madera unidas con sus nombres garabateados como a cuchillo -en una de ellas Jorge; en la otra Itziar-.

___

 

A excepción de la Basílica de Arantzazu, donde logró finalmente imponer sus 14 apóstoles… “creced y multiplicaos”, dijo Cristo; lo siento, no me cabían más”  -respondió al enojado obispo-, Oteiza vió frustarse todos sus proyectos colectivos.

imagesOTEIZA Apostoluak_Arantzazu

 

En su libro Quosque Tandem Oteiza recogió su pensamiento en un texto profundo, intenso y ágil. Oteiza propugnó siempre el concepto de educación estética como proyecto integrador para la sociedad y la existencia.

Cada palabra, cada imagen, sacuden la conciencia y arrebatan la posibilidad de huída, no existe otra alternativa que no sea el comportamiento artístico hecho comportamiento cívico en la convivencia con el otro. En su libro se desarrollan temas como:

  • Sus indagaciones poético-linguísticas del origen del euskera en relación con la simbología prehistórica.
  • Su exposición de la superación en nuestro estilo vasco (pre-indoeuropeo) del sentimiento trágico de la vida en comparación con el área latina (indoeuropea).
  • Sus investigaciones en materia semiótica, lieraria, dramática, religiosa, política, cultural,
  • Su amplio conocimiento de la cultura universal (Voltaire, Rimbaud, Mallarmee, Kandisky) en relación a nuestro pensamiento.

Pero sobre todo el mensaje de Oteiza es el de la absoluta necesidad de trabajar en la formación estética del niño y del educador, sugiriendo como objetivo primordial en toda política cultural razonable, el diseño de una adecuada programación didáctica que cree en el niño y en el maestro, la pasión lúdica por imaginar, interrogar y conocer, por interesarse poéticamente por cuanto les rodea, sea la arquitectura de sus pueblos, la historia de sus ciudades, o los múltiples procesos personales de acercamiento e indagación de la realidad que lleva consigo la hermosa aventura del pensamiento.

Fragmento de Julia Otxoa


IMG_2299

  IMG_2296  IMG_2294IMG_2290

IMG_2280   IMG_2289
IMG_2284

IMG_2301

 

Mis fotografías del interior del museo


 

Texturas

El día que mi hija que dijo que durante las vacaciones de Navidad de aquel año tenía que trabajar el tema de las “texturas” con su niña de dos años, me quedé anonadada.

Me vino a la cabeza la obra de mi amiga Blanca Arsuaga con su delicada fuerza y elegancia trabajando materiales como la madera el cartón y la arena sobre sus lienzos.

Por más que pensaba cómo podríamos plantearnos la explicación a la niña, decidí no intervenir activamente en el tema, sino dejarme sorprender por los nuevos métodos de enseñanza.

¿Cómo se le explica a una criatura qué es la Textura? 

Sí, ya sabemos que la textura es como la piel de las cosas, que se reconoce con el tacto, con los dedos al rozar determinada materia, que se siente algo así como suavidad o dureza, como la rugosidad…

Pero, insisto: ¿cómo se le explica a una criatura de esa edad un concepto semejante?

Muy fácil. Más sencillo de lo que yo podía imaginar. Se colocaban en un plato espaguettis. Un montón de espaguetti cocido y un montón de espaguetti crudo. Se trataba de dejarle experimentar, de acuerdo con las instrucciones de los expertos en pedagogía para niños de preescolar.

¡El espectáculo estaba servido!

La niña con una mano tocaba la pasta cocida. La retorcía con sus deditos regordetes e imprecisos, la aplastaba, dejaba los trozos desparramados por el plato como si fueran gusanitos blancos moribundos. Los miraba, intentaba recogerlos y cuando conseguía llevárselos a la boca succionaba con fuerza los que se le quedaban colgando de los labios. Mientras tanto, con la otra mano, sostenía la pasta cruda como si fuera un ramo de flores secas, se lo acercaba a la cara, la chupaba, se pinchaba, no le gustaba… Entonces rompía las hebras de pasta quebradiza contra el plato, contra la mesa, se divertía viéndolas romperse en pequeños pedazos contra el suelo…

No soy quién para cuestionar las nuevas técnicas de educación, considerando que son algo en permanente evolución. Tampoco puedo asegurar que aquella especie de “jam-sessión” fuese además de didáctica educativa, pero sí fué divertida para los que tuvimos la suerte de compartir la escena. El futuro aclarará la eficacia de aquél Western “Spaguetti Salvaje”

 

 

 

 

Blanca Arsuaga19702606_472775359736711_4470358944815792813_o

 


Blanca dsc_88272

 Blanca10

Con mi agradecimiento a mi amiga Blanca por autorizarme a compartir algunas imágenes de su obra en mi blog. 

Os invito a conocer mejor su obra en el blog blancarsuaga.blogspot.com


@mjberistain