MARTE

Quizás Ella estuvo allí.

Un hecho histórico, ayer jueves dieciocho de febrero del año dosmilveintiuno el hombre aterriza en el planeta Marte, busca si hay vida, si hay “marcianos” que, por otra parte sabemos que siempre los hemos tenido a nuestro lado, en nuestra imaginación, entre nosotros. Quizás nosotros mismos somos unos marcianos, quién sabe de dónde procedemos. Quién sabe si nuestros orígenes están más allá del universo que está a nuestro alcance, al alcance de nuestra ciencia, esa ciencia que va descubriendo que hace muchos millones de años “alguien” dejó algunos trazos, rastros y restos de su paso por nuestro pequeño planeta.

La mayor misión a Marte de la historia llegó anoche a la superficie del Planeta Rojo, donde la NASA buscará restos de vida pasada.

El vehículo de exploración Perseverance, el más grande y sofisticado del mundo, se posaba ayer a las 21.55 hora peninsular española en el cráter Jezero, un lugar en el que se cree que hace 3.500 millones de años había un gran lago. Pocos minutos después enviaba su primera fotografía, esa que ves más arriba. El principal objetivo de la misión es buscar evidencias de vida antigua, aunque también profundizará en el conocimiento de Marte y ayudará a plantear los próximos pasos para una eventual exploración humana. El Perseverance es el quinto vehículo marciano de la NASA y ha sido desarrollado en Estados Unidos con la colaboración de diversos países, entre ellos, España. Nuestro país aporta a la expedición una avanzada estación medioambiental y un instrumento de análisis de rocas y minerales. Tras superar los siete minutos de terror que supone atravesar la atmósfera marciana para llegar con éxito al Planeta Rojo, los responsables de la expedición se tomarán dos meses para comprobar que el Perseverance funciona correctamente y, a continuación, se pondrán manos a la obra.

Quizás Ella estuvo hace muy pocos meses allí. Me refiero a mi amiga y artista MariJoseCueli. Desapareció un día y cuando la esperábamos de vuelta no vino. Solo mandó unas burbujas como las de agua con jabón que soplan nuestros niños. Eso sí, impregnadas del colores de mundos imposibles, como ella nos dijo que existían “Lejos de la Tierra”. No dejamos de esperarla, hasta que otro día, ya de vuelta entre nosotros, nos regaló algo de su imaginario.

Visitar su web, os sorprenderá
marijosecueli.com

Pulsar sobre cualquiera de las imágenes para verlas en mayor tamaño


¡Dejadme!

He soñado con la carta de Arturo Pérez Reverte. He madrugado porque quería huir de la pesadilla que me perseguía toda la noche. Por eso era muy temprano cuando he encendido el ordenador y antes de desayunar he hecho un ejercicio de autoestima. He abierto por cualquier página mi libro publicado titulado Apuntes de Salitre y me he encontrado con ésto que en su día publiqué en las páginas más antiguas de mi web. Solo entonces he podido respirar. Lo he dejado todo abierto y me he marchado a tomar un café…

¡Dejadme…!

con la pereza de las estatuas
con la lluvia inabarcable
por las aceras y los parques,
dejadme, con la derrota de los rosales.

¡Dejadme!

con los hombros de todas las tormentas
desnudos,
con el idilio de los ríos.

¡Dejadme!

frente al mar desvanecido
y la invasión seductora del crepúsculo.
Hay un incendio en ruinas en sus ojos

¡Dejadme!

con el naufragio de mis poemas.


@mjberistain

Escultura: Paco Poyuelo


La clave del Ambigú

Incierto, elusivo, evasivo, equívoco, ambivalente, indeciso, enigmático, dudoso, turbio, ambiguo, oscuro, inquietante, mitad higo, mitad pasa, ni carne ni pescado, cogido por los pelos…

Las tres nos miramos con cara de poker cuando a alguien se le ocurrió pronunciar la palabra “Ambigú”. Cualquiera sabía a estas alturas que el vocablo estaba relacionado con “ambiguo; con ambigüedad”, así que durante unos minutos nos divertimos, frente a un vinito blanco y unas patatas fritas, desvariando en torno a su etimología. Después de intentar acertar con el origen, la procedencia y los usos que se le habían atribuído a la palabra en cuestión, decidimos consultar a santawikipedia. Nada más lejos de nuestra percepción como definición de algún lugar “cálido, sugerente, vintage, romántico, incluso como privado, con cortinajes de terciopelo color vino y jarrones de cristal y oro, propicio para el placer y el erotismo…”.

¡Su significado se refería a algo tan prosaico como “comida sobre una mesa”! (Por cierto, cogido por los pelos de la lengua francesa, y para más desilusión, de origen desconocido).

Históricamente, Ambigú se llamaba a las “reposterías” de los salones de Cine y Teatro en los que se tomaba un pequeño refrigerio durante los entreactos o descansos.

Hablando de “reposterías”… En la Francia del rey Luis XVI fue Maria Antonia Josefa Juana de Habsburgo-Lorena, más conocida como María Antonieta y a la sazón esposa del rey, quien con su altanería y sus palabras consiguió levantar al pueblo contra el poder absoluto.

Ella no comprendía el porqué del enfado de su pueblo por no tener pan. “Que coman pasteles”, dicen que dijo…

Artículo de Rosa María Artal

Así, mientras en las tertulias callejeras se comentaba “Pues va la tía y aún dice que comamos pasteles”, los periódicos de la Corte atribuían el disgusto social al catastrofismo sembrado, con muy malas artes, por un grupo radical. Utilizando el catastrofismo, precisamente, como fórmula disuasoria de cualquier cambio inconveniente a sus intereses. Estaban desolados.

Veinte personas de la aristocracia y el comercio poseían tanto dinero como los 14 millones más pobres. Cuesta creerlo, pero así era. En más de 5 millones se cifraban las personas sin trabajo, y lo que costea. 800.000 niños habían entrado en la pobreza desde el aciago día en el que, bajo la excusa de una estrategia a la que llamaron crisis, se habían emprendido “reformas”. Es decir, el eufemismo determinante para quitar de aquí y poner allá, con suma precisión, y aumentar de forma tan insolente la desigualdad.

En poco tiempo el relativo bienestar del que disfrutaba el pueblo se había ido al traste. “Habéis vivido por encima de vuestras posibilidades”, les decían desde la camarilla real y sus extensiones. Por eso, establecieron recargos en farmacia o suprimieron el acceso a la sanidad a una serie de personas, encarecieron el acceso a la enseñanza universitaria, elevaron el coste de poder tener luz, fuego o calor, y de todos los servicios. La precariedad entró en la vida de muchas personas que, aunque tardaron y tragaron lo indecible, terminaron por indignarse. Los voceros de la corte insistían: puro catastrofismo. Suicidio programado. Manipulación de masas de manual, aprendida en lejanas tierras o en los tratados del populismo más atroz, representado por Rousseau, Voltaire y Montesquieu y sus peligrosas ideas.

Arcones en B, nepotismo, condesas diabólicas riéndose de todos, sátiras de látigo y mantilla mintiendo por cada palabra dos veces, el príncipe de los hilillos y los cuentos chinos, el bufón de la tijera, los beatos del rosario y la muerte. Y el empobrecimiento, no llegar a fin de mes, huir, ensombrecer el futuro.

La ira de la turba se plasmó en manifestaciones. Acamparon en la Bastilla, hablando de política, economía o urbanismo. “Nuestros sueños no caben en vuestras urnas”, coreaban los muy rufianes con profundo afán desestabilizador. La agresividad llegaba ya a su punto culminante cuando se situaban frente a la casa de un desahuciado por el banco y la ley vigente, tratando de impedir el desalojo. ¡Sentados en el suelo!, vulgares sans-culottes. ¡Haciendo cadena humana mano junto a mano! ¿Se ha visto mayor intimidación? La guardia, lógicamente, los freía a palos y multas para que no siguieran perturbando la paz social.

La maquiavélica mente de los violentos ideó nuevas argucias. Distribuyeron entre las élites del país unos salvoconductos ‘black’ con los que podían comprarse desde champagne o caviar a déshabillés de seda, viajar a lugares exóticos, vivir como Luis y María Antonieta, en definitiva. Derechos de clase. Mediante una pistola en el pecho, obligaron a numerosos nobles a robar a manos llenas de las arcas del reino. Por arriba, por abajo, del derecho y del revés. Con bolsas o carros. A todo pasto. Les empujaron a ir a cacerías, en las que se enfrascaban en rituales de sangre, en el juego y el sexo, todo por sacar unas comisiones millonarias que seguían engrosando sus bolsillos.

Los iracundos provocaron –en sutil maldad– que las dos grandes tendencias de la aristocracia se enzarzaran en las Cortes, acusándose mutuamente del descontento popular. El ‘y tú, más’, tan imaginativo y cargante, fue obra de algún populista infiltrado.

Los grandes maleantes que entraban por fin en las mazmorras salían con diligencia. Tres meses, y a la calle. O no llegaban a entrar, fruto de desimputaciones o indultos. Esta argucia –ideada por los antisistema– fue otro de los grandes hallazgos para inducir a la gente a pensar en una justicia de doble rasero.

Porque, en realidad, ¿de qué se quejaba el vulgo?, ¿cómo pudo prestar oídos al catastrofismo de los populistas? Lo peor fue que, en un supremo acto de inmundicia, esta gentuza decidió manifestar su ira en un puro arrebato de cólera ¡concurriendo a las elecciones! Y la plebe escuchó sus cantos de sirena, alejándose del bien que habían disfrutado hasta entonces. ¡Poniendo en peligro el sistema!

Entre desprecios, negaciones y ninguneos, los más clarividentes entre los cortesanos de élite tienden puentes a negociar con las hordas exaltadas dispuestas a votar lo que no deben. ¿Os vais a arriesgar a las incertidumbres que plantean los radicales? No aciertan a comprender que dan mucho más miedo sus certezas.

Maria Antonieta y su marido Luis XVI perdieron la cabeza en su forma más textual y expresiva por no saber bien dónde la tenían. Pasa mucho cuando no se pisa el suelo que transita la gente. El populacho hizo los deberes y acabó con el Antiguo Régimen. Luego –angustiado por la libertad– llamó a un Napoleón a apretar las clavijas, lo que no es nada infrecuente en estos casos. Nada volvió a ser lo mismo, sin embargo. Y así una y otra vez a lo largo de la historia. Los tiranos, déspotas, saqueadores, malnacidos, y su séquito de aduladores y cómplices de hoy, no agradecen lo suficiente que los tiempos hayan cambiado

El artista es creador de belleza. Revelar el arte y ocultar al artista es la meta del arte. El crítico es quien puede traducir de manera distinta o con nuevos materiales su impresión de la belleza.

La palabra Ambigú ha desaparecido de nuestro lenguaje y ha sido sustituida por la palabra francesa “Buffet”, encontrada en textos de principios del siglo XII. Designaba una “mesa”. En castellano encontramos las palabras “Bufé” y “Bufete”, la primera refiriéndose a la comida que se dispone de una vez sobre una mesa, y también a los locales, como estaciones, en los que el viajero puede comer. La segunda corresponde a una “mesa de escribir” y por extensión al “despacho de un abogado”.


Tamara de Lempicka

 

Comisaria: Gioia Mori Sofisticación, trasgresión y modernidad. Estos son algunos de los rasgos que definen la vida y obra de la artista Tamara de Lempicka (Varsovia, 1898 – Cuernavaca, México, 1980) a la que el Palacio de Gaviria le dedica su primera retrospectiva en Madrid. Una exposición que permanecerá abierta al público hasta el 26 […]

a través de Tamara de Lempicka, la artista y la diva — EXPOARTEMADRID

De punta a punta

Es un privilegio poder contar con la autorización de Macarena Azqueta para compartir en mi blog uno de sus vídeos especiales.

Recomiendo la visita a su espacio macazqueta.x10.mx  en el que está contenida su obra fotográfica de gran pureza, fuerza y especial sensibilidad.

 


 

 

COMENTARIOS

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Un detalle extra: acabo de leer que la txalaparta es un instrumento tradicional del país vasco. No sabía que eras de esa zona (conozco la procedencia de alguno de mis contactos españoles, pero desconocía la tuya). Sólo señalo eso porque mi apellido es vasco y, de hecho, dos de mis hermanos se llaman así entre ellos (“el vasco” es un apodo bastante común en la zona argentina de donde provengo; incluso en mi cuidad todavía perdura e conocido restaurant “La taberna vasca”, entre otras referencias a esa zona o a los inmigrantes que de allí nos han llegado).
Bien, perdón por la digresión. Ya me voy, al menos hasta el lunes.

Abrazísimo.

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Pues salúdala de mi parte, en la medida en que cabe. Sí, su trabajo me ha gustado mucho (la abstracción tiene su encanto, por supuesto, el cual no siempre es bien visto por todos).
Y me has dejado picado con lo de la txalaparta. Ya tengo abierta una pestaña con una búsqueda sobre el tema y me voy allí ahora mismo. Y por supuesto, ya llegará el día en que me enseñarás de primera mano todo lo que significa eso, de donde viene y otras bellezas locales.

Abrazo apretado.

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MJBeristain
MJBeristain

4 de may. de 2019·

mjberistain.com
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Le pasaré tu comentario a mi amiga Maca, le emocionará. Es una artista y el trabajo es sobre nuestros artistas Chillida y Oteiza cuyas esculturas dominan las dos puntas de la ciudad. Cuando vengas algún día te maravillarán. La música también ayuda a este trabajo, el instrumento es la “txalaparta” música que se hace con troncos, típica de nuestra tierra. (El origen es de cuando se machacaba la manzana con palos para sacar el jugo). Algún día quizás toco el tema…Un abrazo.

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Estupendo trabajo. Los primeros planos trabajados como abstracción (cosa que me gusta hacer en mi caso también) me hicieron recordar al trabajo de Franco Fontana.

Un abrazo.

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Es un honor poder estar en tu magnifico blog. Gracias. Un abrazo🌷🌷🌷

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Me emocionas. Que privilegio estar en tu gran blog. Un abrazo muy fuerte

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MJB Literaria

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Permanencia

 

Por el mundo de Chillida, como si estuviera en otra vida.

La hierba luminosa deja crecer el aliento de otros seres,
árboles, flores silvestres, pájaros, nosotros…

Silencio
miradas detenidas
palabras calladas
lenguaje único
una paz atmosférica alcanzando el cielo.

La piedra del camino,
el cuerpo quieto
y el corazón ambulante
que busca una salida,
grietas…
al abrazo de otra piedra.

¿Qué significa una grieta?
¿Tendrán alma las piedras?

Desciendo hasta el fondo de los años
en ilusión de permanencia…

 

@mjberistain


 

De punta a punta

 

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A qué sabe tu voz?

Bebo un trago de noche
las luces apagadas por las plazas.
La luna no calienta y huyo
de las llamas que enciende la nieve
en el silencio
que habla de cenizas.

Apenas tres minutos
¿a qué sabe tu voz?

Por debajo de la música, háblame
en voz muy baja
entre los pliegues de cualquier piano.

Será demasiado breve
por eso quiero hundirme, clavarme
en el centro de la quimera más audaz.
En la imperfecta pulsión
de un poema
que no traiciona nunca.

@mjberistain
Imagen de Karlos Giménez


Un extraordinario artista menor

ANDRÉS TRAPIELLO escribe sobre “UN PINTOR de provincias”;
del pintor italiano Giorgio Morandi nacido en Bolonia (1890-1964),
considerado uno de los mejores del siglo XX en su país.

 

“GIORGIO MORANDI pintó, a lo largo de su vida, (según Andrés Trappiello), tres cuadros: un bodegón, un paisaje y un jarrón con flores.

Hoy recupero algunas de sus frases sobre el trabajo del artista en lo que se refiere a sus bodegones.

El bodegón para el que Morandi ha allegado tazones, jarras, loza con cenefas azules, conchas de pliegues luminosos, con el Tirreno dentro, resulta siempre misterioso, recoleto, dejado allí no por su mano, sino por el oleaje de la vida. Están y no están en él las cosas. Parece como en esas mesas, después de la comida, aún por recoger, en su desorden natural, que nada de cuanto contiene va a durar mucho tiempo, como si alguien, de pronto, lo desmontara todo y dejara la mesa limpia, contra la severa pared del fondo. Los cacharros en él parecen accidentales y todo nos advierte del paso del tiempo, como esa servilleta de lino blanco al lado, no doblada, que el huésped, al levantarse, ha dejado así plegada de esa forma, para luego volver o no volver ya más. En el fondo de sus tazas, que no podemos ver, sabemos que queda un poco de caldo, dorado y frío. En las botellas, de cuello largo, de panza ancha, puede verse aún algo de chianti áspero del color del coral, pero ya oscuro, como si la luz de la tarde pasara a su través y le dejara triste. En ese bodegón todo es usado, todo tiene la forma de lo común y diario.

Aunque Morandi tiene algunos cuadros, de los primeros que hizo, muy bien ordenados formalmente, al modo de los barrocos, de Chardin, de Zurbarán, es decir, de los maestros del género, poco a poco se fue amanerando, y terminó ingeniando diseño italiano, como si más que pintura, estuviera haciendo propaganda de la loza, de la vajilla.

Para los bodegones entonaba antes, pintándolos con óleo, los cacharros que iban a formar la naturaleza muerta. Pintaba el vidrio conforme a la tonalidad general del cuadro, según le convenía. Luego, cuando terminaba ese cuadro, volvía a pintar la botella de otro color, para el siguiente lienzo, y así con toda la batería.

Morandi pintó variaciones sobre el mismo tema aunque entonó siempre bien sus obras,
Fue un extraordinario artista menor.”

En otro momento hablaremos de los paisajes y de las flores.

Trapiello, de la obra de este artista, dice que “son los Aguafuertes los que mejor le representan, lo mejor de él. Solo en los Aguafuertes dice haber encontrado Trappiello emoción y verdad.”

Imágenes tomadas de internet de algunas de sus Naturalezas Muertas “Naturas mortas”

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Morandi af45830ff9eace7b2cbe62972286b330

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Recomiendo visitar el enlace siguiente: https://elviajero.elpais.com/elviajero/2014/11/27/actualidad/1417092115_703573.html


 


Ópera de Oslo

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Ópera de Oslo (Operahuset), levantada frente al fiordo de Oslo, la capital de Noruega es el centro de artes escénicas más importante de ese país.

Se inauguró en 2008 y fue diseñada por el estudio de arquitectura noruego Snøhetta, autor de otros proyectos como la embajada noruega en Berlín y la Bibliotheca Alexandrina en AlejandríaEgipto. Wikipedia


 

Tabakalera

Centro internacional de Cultura Contemporánea
San Sebastián

 

Visito el edificio renovado de lo que fue durante 90 años  la fábrica de tabaco en San Sebastián. (de 1913 a 2003)

“La fábrica, se edificó al estilo de las grandes manufacturas y en torno a cuatro grandes patios. Conoció su época dorada durante los años 20 al mecanizarse la producción de cigarrillos y cigarros. En 1925 trabajaban en ella más de mil personas, casi todas mujeres.

Después de varias renovaciones tecnológicas se llegó a alcanzar la cifra de 250 millones de cajetillas al año. Cuando se privatizó la explotación de tabaco en España, una de las fábricas que se cerraron en el estado fue la de San Sebastián. Esto era el año 2003. Ante esta situación, el Ayuntamiento de San Sebastián, la Diputación de Gipuzkoa y el Gobierno vasco compraron el edificio para convertirlo en un centro internacional de cultura.”

Ver: https://www.tabakalera.eu/es/quienes-somos/sobre-tabakalera

Tabakalera_portada
Fotografía propiedad de Tabakalera

La visita al espacio interior resultó ser una sorpresa muy grata. Encontré un Centro de actividad pública amplio, diáfano, luminoso, sencillo, abierto a todo tipo de público y que favorece el encuentro y la dedicación a actividades culturales diversas, con zonas habilitadas tecnológicamente para su utilización en el mismo centro. Son zonas diferenciadas adecuadas para el estudio, el pensamiento y la creatividad.

Sorprende un gran respeto por el silencio.

 

Tabakalera Tarjeta María Diez images

Durante mi visita descubrí a la pintora María Dez
en la Sala de Exposiciones “nana.”
en la que presentaba sus cuadros de gran formato bajo el título “Miradas”.
Fue un agradable encuentro con ella y con la persona responsable de la sala.

 

Agradezco su autorización para tomar fotografías de ella misma y de su obra.

Tabacalera María Diez DSC_0099

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Tomé algunas fotografías del interior del Centro de Cultura…

DSC_0063

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DSC_0078Y… del atardecer desde la terraza del edificio de Tabakalera

 

 

MAURICE SAPIRO


Ver Blog de MAURICE SAPIRO

Porque la fuerza y la delicadeza de su obra me ha cautivado…


 

Maurice Sapiro Pintura Captura de pantalla 2017-09-13 10.35.33

 

A estas horas, ya definitivamente perdida sólo espero que al menos la música y el sueño absuelvan mi nostalgia…


 

Maurice Sapiro

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Oteiza o el Pensamiento

OTEIZA o el Pensamiento

Oteiza o el Lenguaje

Oteiza o la Escultura

Oteiza el Poeta

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Ayer estuve en Alzuza (Navarra) y me acordé de ti, amigo Vicente.

Mientras recorría su amplio espacio interior bordado con el hierro y la cal de su obra, escuchaba una voz interior parecida a la tuya con un lenguaje universal, como el tuyo, empeñado en la búsqueda  de mitos y símbolos, entre las pinturas prehistóricas, para encontrar el origen de nuestra lengua.

Alzuza es un pequeño pueblo encaramado a un alto muy próximo a Elizondo en el valle  de Egües (Navarra). Allí se encuentra el museo de Oteiza y allí están sus restos y los de la que fué su mujer, enterrados en un rincón. Quedan dos sencillas cruces de madera unidas con sus nombres garabateados como a cuchillo -en una de ellas Jorge; en la otra Itziar-.

___

 

A excepción de la Basílica de Arantzazu, donde logró finalmente imponer sus 14 apóstoles… “creced y multiplicaos”, dijo Cristo; lo siento, no me cabían más”  -respondió al enojado obispo-, Oteiza vió frustarse todos sus proyectos colectivos.

imagesOTEIZA Apostoluak_Arantzazu

 

En su libro Quosque Tandem Oteiza recogió su pensamiento en un texto profundo, intenso y ágil. Oteiza propugnó siempre el concepto de educación estética como proyecto integrador para la sociedad y la existencia.

Cada palabra, cada imagen, sacuden la conciencia y arrebatan la posibilidad de huída, no existe otra alternativa que no sea el comportamiento artístico hecho comportamiento cívico en la convivencia con el otro. En su libro se desarrollan temas como:

  • Sus indagaciones poético-linguísticas del origen del euskera en relación con la simbología prehistórica.
  • Su exposición de la superación en nuestro estilo vasco (pre-indoeuropeo) del sentimiento trágico de la vida en comparación con el área latina (indoeuropea).
  • Sus investigaciones en materia semiótica, lieraria, dramática, religiosa, política, cultural,
  • Su amplio conocimiento de la cultura universal (Voltaire, Rimbaud, Mallarmee, Kandisky) en relación a nuestro pensamiento.

Pero sobre todo el mensaje de Oteiza es el de la absoluta necesidad de trabajar en la formación estética del niño y del educador, sugiriendo como objetivo primordial en toda política cultural razonable, el diseño de una adecuada programación didáctica que cree en el niño y en el maestro, la pasión lúdica por imaginar, interrogar y conocer, por interesarse poéticamente por cuanto les rodea, sea la arquitectura de sus pueblos, la historia de sus ciudades, o los múltiples procesos personales de acercamiento e indagación de la realidad que lleva consigo la hermosa aventura del pensamiento.

Fragmento de Julia Otxoa


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Mis fotografías del interior del museo


 

Texturas

El día que mi hija que dijo que durante las vacaciones de Navidad de aquel año tenía que trabajar el tema de las “texturas” con su niña de dos años, me quedé anonadada.

Me vino a la cabeza la obra de mi amiga Blanca Arsuaga con su delicada fuerza y elegancia trabajando materiales como la madera el cartón y la arena sobre sus lienzos.

Por más que pensaba cómo podríamos plantearnos la explicación a la niña, decidí no intervenir activamente en el tema, sino dejarme sorprender por los nuevos métodos de enseñanza.

¿Cómo se le explica a una criatura qué es la Textura? 

Sí, ya sabemos que la textura es como la piel de las cosas, que se reconoce con el tacto, con los dedos al rozar determinada materia, que se siente algo así como suavidad o dureza, como la rugosidad…

Pero, insisto: ¿cómo se le explica a una criatura de esa edad un concepto semejante?

Muy fácil. Más sencillo de lo que yo podía imaginar. Se colocaban en un plato espaguettis. Un montón de espaguetti cocido y un montón de espaguetti crudo. Se trataba de dejarle experimentar, de acuerdo con las instrucciones de los expertos en pedagogía para niños de preescolar.

¡El espectáculo estaba servido!

La niña con una mano tocaba la pasta cocida. La retorcía con sus deditos regordetes e imprecisos, la aplastaba, dejaba los trozos desparramados por el plato como si fueran gusanitos blancos moribundos. Los miraba, intentaba recogerlos y cuando conseguía llevárselos a la boca succionaba con fuerza los que se le quedaban colgando de los labios. Mientras tanto, con la otra mano, sostenía la pasta cruda como si fuera un ramo de flores secas, se lo acercaba a la cara, la chupaba, se pinchaba, no le gustaba… Entonces rompía las hebras de pasta quebradiza contra el plato, contra la mesa, se divertía viéndolas romperse en pequeños pedazos contra el suelo…

No soy quién para cuestionar las nuevas técnicas de educación, considerando que son algo en permanente evolución. Tampoco puedo asegurar que aquella especie de “jam-sessión” fuese además de didáctica educativa, pero sí fué divertida para los que tuvimos la suerte de compartir la escena. El futuro aclarará la eficacia de aquél Western “Spaguetti Salvaje”

 

 

 

 

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Con mi agradecimiento a mi amiga Blanca por autorizarme a compartir algunas imágenes de su obra en mi blog. 

Os invito a conocer mejor su obra en el blog blancarsuaga.blogspot.com


@mjberistain

 


El Moneo que me piensa

 

Kursaal

Tenía veintipocos años cuando se demolió el antiguo Kursaal. Recuerdo que el impacto entre la gente de la ciudad fue muy importante. El sentir era de incomprensión y de temor porque aquello respondiera a una maniobra preparatoria de especulación con un solar privilegiado a orillas de nuestro mar. El solar al que llamaron “solar K”, se mantuvo vacío durante otros veintitantos años, tiempo durante el que se estudiaron y se desecharon variadas y diversas propuestas.

La resolución del jurado explicaba así los motivos de su decisión
al elegir el proyecto de Moneo

El lema decía: DOS ROCAS VARADAS

“POR el acierto en la consideración del solar K como un accidente geográfico en la desembocadura del río Urumea, por la liberación de espacios públicos como plataformas abiertas al mar y especialmente por la rotundidad, valentía y originalidad de la propuesta” 

Para los ciudadanos se hacía difícil reconocer que otra construcción pudiera compensar del glamour perdido con la demolición del antiguo Kursaal.

Sin embargo, con el paso de los años, la integración en nuestras conciencias de ciudadanos de aquel nuevo edificio, admirado por unos y rechazado por muchos, fue lenta pero profunda. Quizá ello tuviera que ver con el propio carácter de los vascos…

No tengo palabras para explicar que la magia de Moneo consiguió engrandecer  la ciudad respetando, a pesar de su innovadora propuesta, la fuerza del paisaje y de la arquitectura romántica con la que nos sentíamos tan identificados a través de los tiempos.

@mjberistain

 

Moneo


 

Extracto del artículo de Ana Belén García

El arquitecto Rafael Monero (Tudela, 1937), es un hombre elegante, amabilísimo, y con un punto de timidez.

Según sus propias palabras Moneo concibe el desarrollo de los edificios por su capacidad de integrarse en la vida de las personas y por el respeto al lugar donde se ubican. Un tema que le apasiona y motiva.

Moneo ha sido el primer español en ganar el Prizker en 1996, considerado el Nobel de la arquitectura, y también son suyos el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2012) y el Premio Nacional de Arquitectura (2015). El arquitecto ha pasado 30 años como docente a caballo entre España y EEUU donde ha ejercido como Director de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Harvard.

“la ciudad misma es la arquitectura y es donde la gente entiende y debe apreciar lo que un edificio debe dar de sí”

Amante de la poesía y viticultor experimentado, lejos de jubilarse, Moneo mantiene un estudio con una veintena de profesionales en el que vuelca una actividad con la que aspira a que los edificios adquieran su propia personalidad por encima de los arquitectos.

“Su obra enriquece los espacios urbanos”

Según el Jurado del Premio Príncipe de Asturias que le fue concedido en 2012,

“Como maestro reconocido en el ámbito académico y profesional, Moneo deja una huella propia en cada una de sus creaciones, al tiempo que conjuga estética con funcionalidad, especialmente en los interiores diáfanos que sirven de marco impecable a las grandes obras de la cultura y del espíritu”.


 

¿Por qué me apasiona el arte?

Publicado en Culturarte.
“Amad el Arte por sí solo, y el resto se os dará por añadidura.”
Oscar Wilde

cULTURaRTE

Comparto este excelente vídeo. Para mí, la mejor defensa del arte hecha jamás.

Ver la entrada original

El Templo de Rodin

¿Cuántas veces me miraste a los ojos?

Nací de tus manos descarnadas

barro hecho carne inacabada

modelada sin límites,

con fervor,

urdiste entre mis pliegues las páginas sagradas

más carnales de tu obsesión.

Fui tu Templo

y fui tu maldición

desde las oquedades húmedas de mi ser

porque te ví llorar

abrazado a tu Obra: la Belleza

con el soberbio placer de un dios ante su creación.

 

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.

@ mjberistain


El “maestro” que amasaba carne y barro con la misma intensidad era un enamorado del cuerpo femenino, dedicó su vida a descifrarlo…
(Anne Cécile Braudoin – Periodista de Paris Match)

Rodin sobre papel


 

Hazme un hueco

.

Todo está dispuesto.

El dolor en esta primavera

lleva palpitando el rumor de las tormentas

y el sabor del musgo amargo por sus venas.

Banderas blancas yacen desvanecidas

entre las balas,

hay niños que aún sueñan

y juegan al escondite por los escombros,

otros, de soledad inmensa,

rezan

ante la inútil ternura de los acantilados.

.

Hazme un hueco a la intemperie,

llego para ser el último de los ahogados,

que sacien tus fauces la inmensa tristeza

de los hombres,

me ofrezco para perderme entre los gestos

ansiosos de las galernas,

empaparme sucesivamente en tu boca

y zozobrar

en la encrucijada

obsesiva y mortal de tu vientre.

.

@mjberistain
imagen, escultura de Rodin



Arte desnudo

Comparto algunas líneas del artículo de Carlos Sangiovanni titulado

Pocas líneas bastan para un desnudo

Picasso 1

“Cuatro líneas bastaron a Picasso para figurar un desnudo, pulcro, limpio; “un mundo de hedonismo, un mundo de pura positividad en el que no hay ningún dolor, ninguna herida, ninguna culpa.

El proceso de reflexión y gestación que emplea el artista visual para figurar el discurso sensorial que deja a la posteridad, puede ser rápido e instintivo, o paradójicamente, demandar largos períodos de maduración y disquisición para la plasmación creativa.

La vorágine de imágenes fotográficas, ese “infierno de lo igual” que inundan nuestra “sociedad de la transparencia” nos sacude y paraliza. Nos mueve a retrotraernos a la espontaneidad de las líneas fluidas articuladas por contados dibujos.

(Ver: HanByung-Chul. La sociedad de la transparencia. Barcelona 2013. Herder Editorial)

“Como disciplina de las artes visuales, el dibujo es la forma más pura de expresión sobre una superficie.

Su simpleza instrumental impide la simulación del oficiante, demandando la destreza del artista, o la inocencia del niño que ocultamos dentro.

Desde su etapa de cavernas, el hombre no ha podido escapar al embrujo de la línea pura sobre un espacio, utilizando los más variados medios para sacar sus demonios interiores en el serpentear del apunte sobre la superficie que plasma: la huella del virtuoso, la candidez del inocente o la incompetencia del improvisado.

Para dibujar sólo basta un pedazo de papel y un trozo de grafito.

La trascendencia de lo expresado esta condicionado por la ejecución del oficiante, que comunica a través del trazo toda su fuerza expresiva, transfiriendo vida a lo plasmado.”

H.Matisse
H. Matisse

El autor destaca, de entre los dibujos, los dedicados al desnudo femenino, y dice:

“Aquellos que con pocas líneas esbozadas en él, bastan para desvelar la belleza desvestida; más que belleza, sinuosidad que delimita el contorno de formas que convierten al dibujo en materialización de lo sublime.”

Sugishita Dibujo
Dibujo de Sugishita

“Para no acercarse a la desnudez pornográfica, el buen dibujo está henchido de expresividad y enigma.”