Salgo de la Exposición de Judith Prat, en el Centro de Historias de Zaragoza.

Judith Prat (fotógrafa oscense) presenta un mapa visual evocador de la historia de los hechos y lugares claves de la caza de brujas en los Pirineos y Aragón entre los siglos XV y XVIII.

Identifica símbolos, tradiciones y estigmas con el objetivo de destruir viejos estereotipos y dignificar la memoria de aquellas mujeres. Utiliza la luz, elemento clave de la fotografía.

Se acerca a la historia y al territorio provocando un encuentro entre el pasado y el presente. A través de sus imágenes establece un diálogo visual entre aquellas mujeres condenadas a la horca o a la hoguera y las que en la actualidad habitan los Pirineos. Agricultoras, artesanas, escritoras, investigadoras, médicas o herreras, toman el protagonismo de esta exposición para recuperar la memoria de aquellas y defendernos como sociedad de nuevas formas de misoginia.

Judith Prat nació en Altorricón en 1973 y, tras licenciarse en Derecho y especializarse en derechos humanos, decidió dedicarse profesionalmente a la fotografía documental. Su trabajo busca interpelar al espectador, provocando en él no solo una emoción sino también la reflexión. Un trabajo, comprometido y valiente, que pone a la tierra y a la mujer en el centro del objetivo.

Reportaje en Heraldo de Aragón

Judith Prat compone un mapa visual y destruye estereotipos en la muestra ‘Brujas’

La exposición, que este martes se inaugura en el Centro de Historias de Zaragoza y estará abierta al público hasta el 4 de junio, sigue el hilo de la historia de los hechos y lugares claves de la caza de brujas en los Pirineos entre los siglos XV y XVIII.

Un total de 67 imágenes integran ‘Brujas’, el trabajo que la fotógrafa oscense Judith Prat muestra en el Centro de Historias de Zaragoza (desde este martes y hasta el 4 de junio) sobre el tema de la caza de brujas, uno de los episodios más crueles de la historia de la humanidad, y del que Aragón también padeció. Algunos de los hechos más relevantes ocurridos en Europa tuvieron lugar en los Pirineos y Aragón fue el segundo territorio español en número de víctimas de mujeres.

Prat sigue el hilo de la historia y construye un mapa visual evocador de los hechos y los lugares claves de la caza de brujas en los Pirineos, identificando símbolos, tradiciones y estigmas con el objetivo de destruir viejos estereotipos y dignificar la memoria de aquellas mujeres. Utiliza la luz, elemento clave de la fotografía, para desmontar el relato que ha contribuido a desacreditar a estas mujeres.

Judith Prat despliega una mirada personal que se acerca a la historia y al territorio provocando un encuentro entre el pasado y el presente. A través de sus imágenes establece un diálogo visual entre aquellas mujeres condenadas a la horca o a la hoguera y las que en la actualidad habitan los Pirineos. ¿Quiénes serían las brujas ahora? Agricultoras, artesanas, escritoras, investigadoras, médicas o herreras, toman el protagonismo de esta exposición para recuperar la memoria de aquellas y defendernos como sociedad de nuevas formas de misoginia y violencia que siguen apareciendo.

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Premio al fotoperiodismo que genera preguntas

En los últimos años, Judith Prat ha trabajado en África, América Latina y Oriente Medio, documentando temas como la guerra en Yemen, la violencia de Boko Haram en Nigeria, el conflicto armado y las minas de coltán en la RD del Congo, el conflicto en el Kurdistán, el feminicidio en Ciudad Juárez o la situación del campesinado en el mundo, entre otros. Todas sus coberturas y proyectos fotográficos incluyen una marcada perspectiva de género y prestan especial atención a la situación de las mujeres. Su trabajo busca interpelar al espectador, provocar en él no solo una emoción sino también la reflexión.

Sus imágenes han sido premiadas en festivales y concursos internacionales como el Julia Margaret Cameron Award en Reino Unido, Prix de la Photographie Paris, Photofest Award en México, International Photography Awards en EEUU, Human photojournalism contest en Canadá o el Moscow International Photo Awards. En 2017 recibió el Premio Artes&Letras de Fotografía y en 2021 la Sabina de plata a su trayectoria profesional.Publica en diferentes medios nacionales e internacionales, como ‘The New York Times’, ‘Al Jazeera’ o ‘The Guardian’ y su trabajo se ha expuesto en España, en el Museo Nacional Reina Sofia, el Círculo de Bellas Artes o Photo España, entre otros muchos espacios y en ciudades como Quebec, Montreal, Moscú, Querétaro o Avignon.

Acompaño a esta pequeña reseña algunas fotografías tomadas por mi móvil durante la visita a la exposición.

fotografía@mjberistain

MADRE Y ARTISTA

ARTE

He buscado y he hallado cosas, valores o temas como la tolerancia, el diálogo con la luz, el aroma de las piedras, la luz negra… en el espacio sin tiempo de Chillida Leku y en los materiales con los que el Artista materializaba su obra.

Acero, Granito, Hierro, Yeso, Alabastro, Madera, Tierra, Tinta negra, Papel

Oxidación, Exfoliación, Humectación

Espacio, Tiempo, Materia, Espíritu, Resonancia, Gravedad, Límite, Vacío

Sueño, Utopía, Unión, Intuición,

Paz, Tolerancia, Fraternidad, Libertad

Caserío, Hogar, Raíces, Interior, Frondosidad, Escuchar, Viento, Luz

Y la música…

de Vivaldi, Mozart y especialmente de Bach, que muestran su relación con la armonía, el ritmo y el sonido.

Pulsar sobre cualquiera de las imágenes para verlas con mayor detalle

Óxidos

Alabastro

COMPENETRACIÓN ENTRE LUZ Y ESCULTURA, ENTRE LUZ Y ARQUITECTURA
EN LA OBRA DE CHILLIDA EL ALABASTRO ES EL MATERIAL QUE ACOGE LA LUZ Y PERMITE QUE ÉSTA SE MUESTRE DE FORMA TRASCENDENTAL.

En Gurutz (Cruz) Chillida excava el alabastro hacia adentro
haciendo que la cruz se materialice en el vacío.

Tras experimentar con materias de su tierra natal como la madera y el hierro, el alabastro le condujo a Chillida a elaborar obras más luminosas y diáfanas. Se convertiría en la materia perfecta para captar la «luz oscura» que él identificaba con el mar Cantábrico. Frente a la luz blanca, fuerte, vibrante y cristalina del mármol, el alabastro transmitía una sombría luminosidad, una luz neblinosa y húmeda, más cercana a la luz negra propia del País Vasco.

El mar Cantábrico, un mar encrespado, con oleajes frenéticos y tonalidades grises y plomizas.

En lo translúcido la luminosidad parecía emerger del interior de la piedra
como si, retenida en lo más profundo, irradiase de la propia materia.

Más allá, lo profundo es el aire

Este verso de su gran amigo el poeta Jorge Guillén (Cántico), conecta con el Artista que lo interpreta y lo trabajará en su obra como «vacío»

en su primera escultura en alabastro titulada «Mendi huts» (montaña vacía)

en el interior del granito respetando, por contraste, su exterior rugoso natural.

en la contraposición de lleno y vacío de su escultura titulada «Buscando la luz» (en sentido físico, poético y espiritual)

en su proyecto irrealizado en la montaña Tindaya en Fuerteventura.

«Su espacio interior no sería visible desde fuera, pero los que penetraran en su corazón verían la luz del sol y de la luna, dentro de una montaña vacía volcada al mar, y al horizonte, inalcanzable, necesario, inexistente»

Sus palabras…

Consciente de que la materia iba hacia abajo por ley natural, intuía que el espíritu iba hacia arriba, trabajaba la idea de dar ligereza a las voluminosas masas de piedra o acero dotándolas de una espiritualidad que las elevara por encima de su ser.

Fotografía @mjberistain
Apuntes de la Guía General de Chillida Leku

Museo de Arte Contemporáneo
diseñado por el arquitecto canadiense Frank O. Gehry
localizado en Bilbao (País Vasco)
inaugurado en 1997.

Está constituido por formas curvilíneas y retorcidas recubiertas de piedra caliza, cortinas de cristal y planchas de titanio.

El edificio visto desde el río aparenta tener la forma de un barco rindiendo homenaje a la ciudad portuaria en la que se inscribe. Sus paneles brillantes se asemejan a las escamas de un pez recordándonos las influencias de formas orgánicas presentes en muchos de los trabajos de Gehry. Visto desde arriba, sin embargo, el edificio posee la forma de una flor. Para su diseño el equipo de Gehry utilizó intensamente simulaciones por ordenador de las estructuras necesarias para mantener el edificio, consiguiendo unas formas que hubieran sido imposibles de realizar unas pocas décadas antes.

Dentro del aparente desorden de la envolvente, existe un patrón que rige la volumetría. Este es el empleo en todos sus elementos de la máxima curvatura que soporta el titanio. La Gran Sala, también llamada Sala del Pez, se extiende hacia el este hasta acercarse con un puente que atraviesa la ría de Bilbao, el puente de La Salve, una estructura que ya atravesaba el solar antes de la construcción del museo y a la que éste hubo que adaptarse. Tras éste hay una torre que parece ser la continuación del museo y tiene el lado que mira al puente sin revestimiento.

El museo visto desde el este se ve más ingrávido que desde otros lugares, y se pueden observar extraños paralelogramos curvos y torcidos que conforman la sala del pez. Por lo general, las ventanas del edificio tienen formas más racionales. Gehry es el “rey” del contrapunto. Este término viene de otras artes, como la música, y consiste en contrastar cosas muy diferentes colocándolas juntas en el caso de la arquitectura.
El interior del museo es menos complicado que el exterior, pero también tiene elementos curvos. Aunque en general el interior es muy diáfano.

En el centro del hall hay un enorme pilar. Además, hay ascensores, pasarelas y escaleras que comunican las tres plantas. Las formas interiores del hall no siguen las formas geométricas y tiene partes recubiertas de piedra y otras acristaladas. La sala más grande del museo es la Gran Sala, conocida también por el nombre de la sala del pez, por su forma exterior. Es muy alargada y alberga obras artísticas de enorme tamaño. Hay salas con la planta en forma de pétalo. Casi todas las salas del museo tienen lucernarios que dan una luz cenital muy interesante.

Para escoger el revestimiento del Museo Guggenheim de Bilbao, Gehry se fijó en las plumas y escamas de muchos animales. Observó sus fijaciones y la posibilidad de movimiento que dan. Le interesa mucho los animales y los sistemas que usa la naturaleza para cubrir superficies curvas, similares a las del museo. Decidió usar «escamas» rígidas de manera que se montasen unas encima de otras. La diferencia entre el revestimiento usado y la piel de los animales es que la de estos últimos está adaptada al movimiento, mientras que la del edificio no, por lo que ambos sistemas de cubrimiento no son los mismos.

Gehry quiso desde el primer momento que estas piezas fuesen metálicas. Barajó varias posibilidades y finalmente se decantó por hacer las piezas de titanio, un metal bastante caro que contrasta con los materiales económicos usados en sus primeras obras. La aleación definitiva es de cinc y titanio, existiendo una proporción mucho mayor del segundo metal.

Se trata de una chapa cuyo espesor es de un tercio de milímetro y resulta muy manejable. Al ser tan fino, se adapta perfectamente a la curva descrita por el edificio. Cada pieza tiene una forma única y exclusiva al lugar que ocupa.

Información de la Web Oficial del Museo.
Fotografía de cabecera de Texfoto

Interiores

Fotografía @mjberistain