DLEA

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Me tiene intrigada.

Sigo en mis trece de conseguir dominar el espacio que me separa del estado de Flow. Comprendo que no sepas de qué estoy hablando. Intento darte unas pistas. Por poner un ejemplo, siempre he querido ser un «director de orquesta» que, además de organizar un selecto y virtuoso grupo de músicos a su dictado, «siente» mientras dirige a Mahler oa Beethoven. (Que quede claro que mi envidia no es maligna; es solo creativa).

Se produce un silencio en el auditorio, algunas toses sofocadas por parte del público antes de que comience la música. El director levanta la batuta (o sea, en el caso que analizo sería ese fenómeno de enfrentarse al papel en blanco), y el aire de la sala cambia. Una especie de éxtasis emocional. Cien músicos y cientos de personas aguantan la respiración, todas las miradas coinciden en el mismo punto, en ese lugar en el que convergen la memoria de los ensayos, tantas partituras y páginas coloreadas emborronadas, tantas lágrimas y sueños descoloridos. Sin embargo, ese punto de convergencia es, asimismo, ilusión fundada en horas de dedicación y estudio, es esperanza a la que nunca dejaremos escapar. Es una emoción que respira hasta lo más profundo y vuela a lo más alto en equilibrio libre mientras la música va desplegándose en el tiempo.

Dicen que en una sinfonía de Mahler (por cierto uno de mis preferidos), el director se siente como si navegara por un paisaje emocional inmenso donde cada uno de sus gestos pudiera abrir una nueva puerta a otra atmósfera iluminada. Por otra parte si hablamos de Beethoven el director de orquesta quizás siente una energía concentrada, volcánica, empujando la música hacia adelante con una fuerza inevitable. 

Son dos poderosos ejemplos. En este caso alguien empieza a sentirse como Beethoven cuando quiere sentirse como Mahler. Craso error. El aspirante a artista investiga sobre las razones de su obsesión y el motivo de su disgusto que no comprende, cuando dedica tantas horas de su vida al estudio de las técnicas y a llenar de manchas de colores sus papeles acuarelables.

¡Ah! Es el estado de flow… 

Ese momento íntimo, esa sensación de «fluir», algo que acontece, que se alcanza por medio de la concentración, una sensación difícil de describir. Una luminosidad en la quietud perfecta del alma, por la que el director de orquesta siente que la música no está siendo interpretada, sino revelada, y deja de ser un controlador para convertirse en un canal espiritual por el que sucede la única verdad.

Cuando aparece el estado de «flujo», ocurre algo especial; la conciencia del tiempo se disuelve…

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Fotografía de JAV

Libro de Mayte Gómez

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Ha aparecido mi sombra!!!

Está sucediendo mientras leo en la publicación de Babelia (El País) de hoy mismo… 

La boca llena de trigo de Mayte Gómez Molina: la historia de una mujer pintora -Anna- bloqueada creativamente. A Aïda Camprubí le ha entusiasmado: «se palpa lo difícil de ser un ser social, espejo de los celos y frustraciones de los demás, a la intemperie del amor afilado del resto».

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Mayte Gómez Molina se levanta a las cinco de la mañana para ponerse a escribir, antes de desarrollar una jornada laboral al uso. El primer capítulo de La boca llena de trigo aparece tímidamente, con intención de cuento. El formato es tan reducido como el tiempo del que dispone, pero la historia se convierte en novela cuando le dan dos meses entre un trabajo y otro. Escribe urgentemente en ese impasse antes de mudarse a Karlsruhe y convertirse en una grenzgänger —cruzadora de fronteras— para ir a diario al Institute Art Gender Nature en Basilea, donde tutela bajo la dirección de Chus Matínez. Allí ambas se dedican a acompañar a estudiantes en su entrenamiento del pensamiento crítico. Tienen un programa tan inteligentemente hilado, que parece otro regalo de la ficción. O de la brujería, si nos ceñimos a la línea de investigación elegida para este curso.

La boca llena de trigo es su la ópera prima de la autora, si no se supiera de antemano que su carrera en el arte digital es una forma de narrativa y que ya ha publicado varios poemarios.

Al contrario que ella, Anna, la pintora protagonista de este libro, está bloqueada y no puede cargar con las responsabilidades de los encargos. “A veces, la única forma de descansar es ponerse a trabajar” le achaca una amiga, y que para perder el miedo hay que pasar a través de él. Así ocurren las revelaciones, lejos del misticismo, en pleno cotidiano.

La escritura va de resarcirse. Anna pinta —o imagina pintar— todos los cuadros que la escritora no pudo materializar mientras estudiaba Bellas Artes en Granada. Gómez Molina ha decidido pintar a través de la escritura y muchas de las escenas se conectan con sus mímicas plásticas. Pero sobre todo leemos aquí, incluso olemos, la podredumbre de las ilusiones que no se han podido sacar a ventilar. Es el malditismo del talento, lejos del viaje del héroe y más cerca de la experiencia femenina.

Anna es un cuerpo avergonzante para el exterior y avergonzado dentro de ella misma. Se palpa lo difícil de ser un ser social, espejo de los celos y frustraciones de los demás, a la intemperie del amor afilado del resto. Siempre preocupado entre el ocupar demasiado y el desaparecer del todo. No todas las amistades son benignas ni frugales. Y cuando una narradora consigue ponernos tan adentro de la cabeza de la protagonista, el resto de personajes pasan peligrosamente alrededor, desestabilizando nuestra posición con la velocidad de un coche de carreras. Aprendemos así, a volantazos, que nuestro sostén y posición en el mundo son precarios y que el intrusismo laboral y el vital vienen de una misma raíz: la incapacidad de encajar del todo en las reglas de otros.

Sin comentario.

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PINCELES Y PALETINAS

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Parece que contienen la respiración cuando entro por la mañana, todavía con legañas, y me miran de reojo…

Esta noche ha sido horrible, dura y larga. Pienso en cómo tiene que ser una noche a la intemperie de los tiempos, cubierta por el polvo y los cascotes de las ruinas de tu propia casa, escuchando al vecino del segundo llorar y moquear con desconsuelo mientras el estruendo y el humo de las bombas se recrean bajo un cielo apagado e inerte.

Pero mi discurso de hoy no tenía intención de empezar así, lo siento.

Decía que me miran de reojo, ahí dignos ellos, pinceles y paletinas como si fueran los reyes del mambo esperándome, jactándose de que hoy será un gran día para jugar conmigo. ¡Bellacos!

Pero, como decíamos ayer, me siento como ese director de orquesta que dirigirá, en breves, a Mahler. Preparados los participantes de mi orquesta, bastante aseados; es la norma, aunque a veces se despistan y aparecen con los pelos rígidos y coloreados después del trabajo de la víspera. Así que nos encontramos en el lugar de convergencia. Hoy navegaremos juntos hacia la intensidad de ese paisaje emocional del «Mood o fenómeno del Flow». Ese instante en el que el gesto (en el caso pictórico) deja de ser forzado. Desde la tarima paseo la mirada por el espacio, reconociendo a cada uno de ellos; el silencio logra la conexión necesaria para saber que debemos actuar superconcentrados y, al mismo tiempo, sentirnos profundamente libres. (Nadie pregunta cómo). No pensar en el público, ni en uno mismo. La música sucederá, será revelada; únicamente existirá ella desplegándose en el tiempo. 

Abro los ojos en la ducha a ver si consigo que entre la cordura por alguna grieta de mis sueños hasta el cerebro. El papel blanco me espera con sus mejores galas: la pureza que sugiere el color blanco. Medito unos momentos, respiro despacio, pienso en no pensar. Siento el vacío y el poder en mi interior discutiendo, mientras unas gotas de negro caen sobre la hoja impoluta debido a la turbulencia de mis gestos ¡cielos! la resistencia del «ego». Quiero interpretarlo como un error (no como un fastidio) que, sin duda, según me lo han explicado, puede utilizarse para dar origen a mi obra abstracta de hoy. La paletina me mira con ojos de culpa y desconsuelo. Le recuerdo que su participación es básica y fundamental, que es mi herramienta preferida hoy, que la aceptación es un poder divino para llegar a alcanzar el Flow.

Lo cierto es que el arte nos hace vivir una experiencia creativa común: la búsqueda personal interior y ese diálogo que se establece en la paz, armonía y equilibrio como una resonancia emocional. Es la sensación de fluir en un magma (es lo que siento cuando nado en mar abierto). Abre un espacio interior hacia el crecimiento, creer en uno mismo aparece como sorpresa. Se convierte en espejo de gozos y sombras. El magma como símbolo de resiliencia y transformación, de aceptación y pasión, de evolución personal.

Como dice la IA, «el magma espiritual representa el fuego interno necesario para transmutar la energía negativa en fuerza positiva y estabilidad».

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Pintar de adentro hacia afuera: una guía para la creación intuitiva

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Crear arte se basa tanto en la intuición como en la técnica. Al adoptar un enfoque intuitivo, puedes impregnar tu obra de emoción personal y espontaneidad. Mi objetivo es guiar tu proceso pictórico con principios que te ayuden a pintar desde dentro hacia fuera.

1. Aviso

El primer paso para pintar intuitivamente es tomarse un momento para observar todo acerca de su trabajo en progreso:

• ¿Qué te llama la atención? Identifica los elementos que te gustan y los que no.
• ¿Cómo te hace sentir la pintura? Considera las emociones que evoca y los recuerdos que te trae.
• ¿Qué te gustaría más o menos? Reflexiona sobre qué deberías enfatizar o atenuar.

En la búsqueda de revelar y ocultar la belleza, las piezas de interés, la emoción y el significado, recuerda que el contraste juega un papel fundamental. Es más fácil identificar la oscuridad cuando hay algo de luz. De igual manera, la calma se percibe mejor cuando se yuxtapone al caos. A veces, las pinturas surgen de forma natural, mientras que otras necesitan el suave impulso de los principios del diseño para guiarlas.

2. Considere los principios de diseño

Incluso al adoptar la pintura intuitiva, considerar los principios fundamentales del diseño puede enriquecer tu trabajo. Estos principios son las herramientas unificadoras que pueden transformar tu pintura en una obra maestra cohesiva. Entre ellos se incluyen:

• Equilibrio: asegúrate de que ninguna parte de tu obra de arte sobrepase al resto.

• Contraste: utilice contrastes de color, forma y textura para crear interés visual.

• Énfasis: Resalte el punto focal de su pintura para atraer la mirada del espectador.

• Movimiento: Guía la mirada del espectador a través de la obra de arte utilizando líneas y formas.

• Patrón: Repetir elementos para crear una sensación de consistencia y ritmo.

• Ritmo: Crea ritmo visual variando la repetición de elementos.

• Unidad: asegúrate de que todas las partes de tu pintura trabajen juntas para transmitir un mensaje cohesivo.

• Variedad: agregue variedad para mantener al espectador interesado con diferentes colores, formas y texturas.

Para quienes trabajan con cera fría, este medio se presta naturalmente a añadir textura, línea, forma, color y valor. Observa tu pintura actual y considera si alguno de estos principios se puede acentuar más:

• Textura: Juega con las capas y superficies.
• Línea: utilice líneas para crear estructura o dirección.
• Forma: Experimente con formas geométricas u orgánicas.
• Color: Ajusta tu paleta de colores para agregar armonía o contraste.
• Valor: Trabajar la claridad o la oscuridad para añadir profundidad.

Al incorporar incluso uno de estos principios, puede elevar su trabajo y ayudar a que su pintura «cante» a medida que los elementos se comunican y resuenan entre sí.

En resumen, combinar la intuición con los principios del diseño puede resultar en un proceso pictórico más enriquecedor y gratificante. Ya sea que tu arte surja de forma natural o con un poco de persuasión, estas pautas pueden ayudarte a crear obras hermosas, significativas y genuinamente tuyas.

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Referencia: https://www.lisamannfineart.com/

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NADA HAY EN MÍ,

SINO ESOS HORIZONTES

QUE CONTEMPLAN LOS SUEÑOS

DESDE UN MAR

QUE ACASO YA NO EXISTE…

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Texto Ritornello
Imágenes – Acuarelas @mjberistain_arts

Poema de José Emilio Pacheco

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Arde en la hoguera de su propio vuelo.

Bajo el cuerpo de lumbre ella es sol.
Su resplandor la atrae y la convierte en ceniza.

Viaja a su íntima noche, se asimila
al leve polvo errante de los muertos.

Pero entre lo deshecho se rehace.
Toma fuerzas del caos, se teje en luz

y amanece en la llama indestructible.

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Texto: José Emilio Pacheco
Imagen de portada: Acuarela @mjberistain

Recreación poética

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Amo la forma en que se mezclan
las líneas y las texturas,
los espacios, el color,
me gusta perseguir sus curvas, sentir
su experiencia lujuriosa
la emoción de dibujar un mapa de miradas
a través del paisaje de sus sombras.

Persigo la belleza
que encierran las paredes desconchadas,
o los muros derruidos
que esperan a ser renovados y de nuevo
se abandonan a la inclemencia de los tiempos.

La belleza emerge en palabras
de la forma en que se engarza
un precioso pendiente
en el lóbulo imaginario de la mente.
La lengua silenciosa
dibuja el arco de su figuración
experimenta la emoción
de sus matices y dibuja un viaje
espiritual a través de continentes
de posibilidades.

Es el viaje profundo a la belleza
que llega al fondo de sí misma.

Cuando llego allí, miro hacia atrás
sobre la belleza que he creado,
o sobre la que he creído haber encontrado
y me sorprende, y me doy cuenta

Incluso lo feo y lo mundano
que había creído separar de la belleza
o había creído encontrar en ella
se vuelve hermoso…

Es así como buscando la belleza en las cosas
desde mi interior, consigo encontrarla
en mí mismo.

Así, desde esa percepción de la belleza
brota el más perfecto amor.

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TEXTO: Recreación @mjb de un poema de Patrick Jenings
IMAGEN DE PORTADA: @mjb_arts

VER LA MÚSICA, REINVENTAR LA PINTURA

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https://caixaforumplus.org/v/kandinsky-voir-la-musique-reinventer-la-peinture?utm_source=newsletter&utm_medium=email&utm_content=ES&utm_term=Artes-visuales-y-plasticas&crm_i=ARTVISPLA_2_GEN&crm_i=MUS_2_GEN&utm_campaign=17086_CFPLUS_Email&sk=003cm00000B1pGiAAJ

GÉNESIS – NOTAS DE INFANCIA

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Inicio un nuevo viaje. Un viaje hacia el origen de mi tiempo, buscaré sensaciones, ilusiones, emociones que en su día quedaron reflejadas en imágenes. Abro mi corazón para dejarme invadir de nuevo, ahora  desde el silencio de mi subconsciente, y que vuelvan a florecer los sonidos familiares y las melodías que aprendí de mis mayores en una especial armonía de voces queridas en torno a ancestrales canciones vascas.  

Hoy ha sido posible. Con mi nieto de doce años ayer hablábamos de música. En su lista de canciones preferidas estaba «Aurtxo polita». Una delicada canción de cuna con la que me arrullaba el susurro de la voz de mi madre cada noche. Yo lo hice con mis hijas, y ellas con mis nietos… Por eso me he despertado hoy con esta canción en los labios…

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Presentación

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No tengo más voz que la del silencio
en esta hora de marea alta,
en este paisaje del no ver, no tener
ni casi ser…
(Saramago 151 Piedra de Luna)

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«El mar no es azul —dijiste— El mar es del color que tú quieras que sea…»

Quise ahondar en la memoria
imaginar pigmentos,
colores que antes no existieron
para el mar. Ese mar que siempre es el mismo
que permanece en mi mente, en movimiento
entre abismos inciertos.

Yo encontraba hilos de silencio, veladuras, nieblas,
reflejos que mecían mi locura.
Había algas que jugaban con mis pies desnudos,
sus lazos de agua entre las aguas,
como delicadas pinceladas sucedían
y se alejaban de mi con besos de pez hacia la nada.

Con el sabor del salitre entre los labios te buscaba,
desde la zozobra de mis desvaríos
entre los espejos en desuso por las terrazas de Alejandría.
Te buscaba en la arquitectura de las tormentas,
en el reverso azul de las espumas, o suspendido
entre las lluvias de fugaces amapolas que inventaba.

Ah! ¡Mar de mis silencios!
A veces te encuentro y a veces te pierdo…

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Texto y Acuarela de portada @mjberistain

Conversaciones con el Ser

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Proyecto Artístico
Sobre mi proyecto anterior, aunque trabajé durante todo el año, es cierto que me centré más en la búsqueda de una voz propia en base a la exploración y aprendizaje de las técnicas y conocimiento de materiales, que en idear y consolidar un Proyecto de Obra Pictórica definido con coherencia. El año discurrió entre bloqueos y frustraciones fundamentalmente. Dificultades en cohesionar la parte mental y espiritual con la experiencia creativa. No presenté proyecto, aunque consideré positivo el progreso.

Progreso de Ejercicios Artísticos
A medida que avanzaba el curso mermó mi interés en alcanzar los objetivos de los ejercicios. No comprendía ni aceptaba el resultado de mi trabajo, no obtuve correcciones, ni análisis, y se manifestó una larga crisis. Estuve desorientada. Actualmente y después de haber hablado directamente con la profesora, comprendo que:
1) La obra que expresa mi interior tiene un significado, se trata de meditarlo y, con humildad, admitirlo (darle amor y buscar su belleza) y reconocerme en él.
2) Aceptar la «obra», como un vaciado del espíritu, liberación de difíciles situaciones vividas, y temas dolorosos ocultos.

Se describen dos tipos de artistas: los que se enfocan más en investigar y probar distintos materiales y técnicas, y los que son más directos y finalizadores, sugiriendo que el ideal sería tener una mezcla de ambos enfoques.

Pinturas y Técnica
En el análisis de una serie de pinturas de una alumna se elogió la técnica de veladura, la paleta de colores neutros y la sensibilidad en las combinaciones. Para ésta, la inspiración le llega de la conexión corporal con la música y el movimiento, más que de la meditación estática. Expresó su deseo de trascender hacia un nivel más elevado en su trabajo artístico.

Conexión Antropológica con Máscaras
La profesora propuso que abriera la investigación a la conexión antropológica del ser humano con la tierra y esté atenta a mensajes y símbolos visuales que surjan en su vida cotidiana. La alumna expresó interés en trabajar con el tema de las máscaras y el diálogo interior, específicamente sobre cómo las personas se comportan con diferentes máscaras en diferentes grupos sociales. Se sugirió el trabajo con las capas y la opacidad de las máscaras en lugar de utilizar únicamente dos colores,además de explorar cómo las máscaras se perciben desde la perspectiva de los demás.

Proyecto Artístico Palimpsesto Visual
Se propuso una idea creativa para un proyecto artístico que involucra la escritura, sugiriendo usar letras superpuestas que se puedan leer como un «ruido» visual a través de líneas y materiales como acrílicos. El concepto de palimpsesto, se refiere a pergaminos con textos superpuestos que han sido descubiertos tecnológicamente, recomendó explorar esta línea de investigación para descubrir qué podría surgir del diálogo interior, enfatizando que el trabajo artístico debe centrarse en lo que queremos descubrir en lugar de solo buscar formas en las nubes.

Desarrollo del Lenguaje Artístico Personal
Se habló de las experiencias con el arte y la expresión creativa, mencionando los desafíos técnicos que ha enfrentado como las veladuras y la integración de líneas en sus formas y colores. La profesora la alentó a continuar explorando y desarrollando su propio lenguaje artístico personal, explicando que la formación está diseñada para ayudar a los participantes a encontrar su estilo único sin limitarse a técnicas específicas.

Libro de Artista Consulta
Sobre el libro de artista, se recomendó usarlo como herramienta inicial para experimentar y documentar el proceso creativo. Se le sugirió usar papel de calidad como el de algodón o bambú para las pruebas iniciales.

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Origen DLEA Araceli García
Conversaciones Tutora/Alumna

EL LENGUAJE DEL AGUA

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Un lunes triste de setiembre, —ha habido otros— la melancolía se mueve por mi casa como un pequeño fantasma blanquecino con apenas fuerzas para volar. Merodeo sin sentido, sin rumbo, no existe el tiempo, en un podcast de algún vecino oigo decir que la creatividad es amor, lo escucho mientras «el cielo» proyecta una preciosa Luz que atraviesa mis ventanas con desparpajo. Yo… doy gracias por continuar viviendo.

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Pienso en Génesis. El nombre que me gustaría darle a mi próximo proyecto de Acuarela.

Génesis mientras pienso en mi Camino de Agua, en el Lenguaje del Mar, y siento el Salitre como fuerza de espíritu que me conecta íntimamente al origen, como materia y sangre que fluye por mis venas.

Mi piel, impregnada de salitre y de sombras…

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Pintura Acuarela mjberistain_arts

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Reblogueo de Trozos de Papel – Úrsula Romero

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Las LETRAS sin metáfora serían un mapa sin montañas ni ríos, apenas un desierto de signos desnudos.

La metáfora es ese puente secreto entre lo que decimos y lo que sentimos, el atajo poético que convierte una emoción en imagen, y un pensamiento en paisaje.

La literatura sin ella quedaría reducida a una lista de instrucciones, eficaz…pero sin una pizca de asombro.

Con ella, en cambio, la palabra se abre en abanico: la tristeza puede ser un pájaro herido, la esperanza un faro que titubea en la niebla…y el amor —ese misterio inagotable— una hoguera que nunca arde por igual, que tantas veces te da la vida y otras te abrasa o te deja sólo humo cuando se va.

Y además de embellecer, la metáfora nos permite comprender lo que de otro modo sería inabarcable.

Hablamos del tiempo como un río, de la muerte como un sueño o de la memoria como un cofre, para tocar lo intangible.

Porque, en el fondo, la metáfora es la respiración más honda del lenguaje, y nos recuerda que sirve también para inventar mundos.

© Úrsula G. Romero

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Imagen de portada, @mjb_acuarela

Araceli García

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Hay creaciones que no buscan representar nada externo.
Surgen como un reflejo de lo que no siempre sabemos nombrar.
Cuando dejamos que la mirada se pose hacia dentro, los gestos se vuelven más lentos, la atención se expande, y la obra se convierte en un espacio de silencio.

Caminar hacia adentro
En la abstracción, no seguimos un mapa.
Cada mancha, cada textura, es una señal que se revela en el momento.
No hay prisa por llegar a una imagen final.
Solo permanecer en ese diálogo íntimo
entre lo que sientes y lo que aparece en el papel.

“El color es un medio para influir directamente en el alma.” — Wassily Kandinsky

El papel como lugar de encuentro
Es en el papel donde cada elección habla de ti, incluso las que parecen pequeñas.

El tono que suavizas, la mancha que decides no borrar,
la frontera que dejas difusa para que respire.
En cada una de estas decisiones se revela tu manera de mirar.
No como un gesto aislado, sino como parte de un lenguaje propio.
Y, sin darte cuenta, la obra se convierte en el lugar donde vuelves a ti.
No importa si alguien más entiende lo que ve.
Lo esencial es que, al mirarla, reconozcas en ella una parte de ti que antes no tenía forma.

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En el estudio, hay momentos en los que no quiero pensar demasiado.
Preparo el papel, la acuarela, la tinta… y dejo que el agua tome sus propias decisiones.
En esos instantes, la mano no empuja, acompaña.
La forma aparece en el movimiento del pigmento.
La línea, si llega, lo hace después.

No se trata de forzar un resultado, 

sino de observar cómo interactúan, 

y desde ahí decidir el siguiente gesto.

Instantes que solo se viven desde dentro.

Hay momentos que vivimos desde dentro. La mesa preparada, los botes de agua quietos, la luz entrando suave… Y de pronto, una gota de tinta toca el papel húmedo y empieza a expandirse como si supiera exactamente a dónde quiere ir. En ese momento, no somos nosotros quienes guiamos. Es la materia la que propone, y nosotros respondemos. Cuando la obra te dice por dónde seguir, dejar que los materiales interactúen por sí mismos es una forma de escuchar.
El impulso creativo no es una idea repentina que llega de la nada: es la respuesta a lo que sucede delante de ti.
Es un diálogo sin prisa, donde la observación y la acción se alternan.

Espacios que invitan a mirar más allá – Ver vídeo.

Trabajar así enseña a no querer terminar demasiado pronto.
A mantener la frescura de lo que está vivo en el papel, sin cubrirlo todo.
A aceptar que a veces, lo más poderoso es lo que no se ha tocado.

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Tutora: ARACELI GARCÍA
De lo Espiritual en el Arte

DLEA Textos

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Al finalizar el Máster de Acuarela me he encontrado con estas imágenes que, pienso, algún sentido tienen que tener. Decido que también tienen su «valor» y un nivel que no les concedí en ningún momento anterior. Han sobrevivido en mis archivos, forman parte de mis cuadernos íntimos digitales como archivos fotográficos aunque fue el papel en blanco el que recibió originalmente la impronta de sus «hilos de silencio» en forma de trazos temblorosos de miedos y de dudas…

Despierto a una realidad nueva llena de ilusión por continuar por este camino que un día se abrió ante mí, que elegí confiada, y del que nunca me arrepentiré a pesar de la dureza del proceso creativo.

Mi agradecimiento a las personas que lo hicieron posible, Araceli García y Cruz Ciudad, y a todos mis compañer@s de curso a los que admiro y aprecio de verdad. Gracias por haber estado al otro lado de las pantallas compartiendo con generosidad vuestro trabajo y cercanía.

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El mar en mi sangre
lágrimas salobres
áspera agua de vida.

Agua de silencios
de sueños, de soledades
fuentes…

Cuando la luna alta
alumbra las mareas
sé que es primavera.

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Texto y Acuarela de portada @mjberistain

Historias…

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El río es vida y es ausencia

Vuelven a poblarse las palabras de palomas
cuando rozas mi espalda, casi ajena,
y hundes, como entonces, tus besos
en el cuello de mi abrigo.

Me recuerdas historias casi exactas
y adivino de nuevo en tus labios
el prodigio lento y húmedo
de tu corazón de río...

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Pintura de portada, acrílico sobre lienzo mjberistain_arts
Texto de mi libro Apuntes de salitre